martes, 27 de septiembre de 2016

Rimfrost - Idem


Año: 2016
Sello. Non Serviam Records
País de origen: Suecia

Tercer disco full de este trío sueco, sexta grabación si contamos los 2 Demos y el EP del 2005 "A Journey to a Greater End...". Siempre en esa vena tan épica, con claras influencias del Heavy Metal más tradicional, pero siempre enmarcados dentro del Black Metal, Rimfrost muestran una interesante tendencia a superarse a sí mismos discos tras disco. Si bien aun no han sacado ese disco que los consagre, siempre se las ingenian para editar obras concisas, bien construidas y eficaces. En particular éste disco autotitulado, posee una cualidad que lo hace aun más interesante que sus antecesores: en cada audición se puede apreciar la música con mayor profundidad, no es un disco al cual se le pueda descubrir todo en una o dos audiciones.
Tampoco es que "Rimfrost" (el álbum) sea una de esas placas que nacen para convertirse en clásicos con el paso del tiempo, eso sería venderle al lector una gran mentira. Lo que quiero decir es que mantiene su atractivo a medida que uno repite las audiciones, y hasta permite que nuevos elementos surjan a medida que uno más se sumerge en la obra.
En lo personal, encuentro influencias del Immortal de los últimos discos, con esos riffs épicos que evocan imágenes de vikingos en la espesa nieve, blandiendo hachas y soñando con llegar al Valhalla. También hay un interesante dominio de las armonías de guitarras y un inteligente agregado de melodías en la línea de los inolvidables Dissection, con lo que Rimfrost ganan en frescura y buen gusto. Para graficar lo que digo, nada mejor que escuchar los temas que abren el disco, "As the Silver Courtain Closes" y "Saga North" (estupendo coro, realmente emotivo), primer y segundo track, respectivamente.
Por supuesto, el sonido dista mucho de encuadrarse en el costado más crudo del Black Metal, siendo éste resplandeciente, cuidando los detalles para sostener el grado de refinamiento que rodea al grupo, sin olvidarse de potenciar las oscuras y elegantes melodías, pero sin que esto juegue en contra de la intensidad propia de un estilo como el Black Metal.
Por cierto, no confundir a estos Rimfrost con la one man band danesa de Black Metal, proyecto ya desaparecido. Estos suecos ya llevan 14 años en la ruta, y suenan cada disco mejor.

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lunes, 26 de septiembre de 2016

Amoth - Revenge


Año: 2016
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Tenía buenas referencias de estos fineses de Helsinki; un conocido mío, del ambiente del Heavy Metal él, me dijo que su primer disco full (y segundo trabajo oficial si contamos el EP "Wounded Faith"), un álbum lanzado en 2011 y titulado "Crossing Over", condensaba buen Heavy Metal, portentoso y firme, con arreglos propios del costado más progresivo del Metal, con algunos aciertos más que destacables. Da la casualidad de que a los pocos días de haber recibido dicha recomendación, la gente de Inverse Records me envía la copia digital del segundo full lenght de Amoth, al cual recibí con bastante interés.
Pues bien, ya escuché dicho álbum varias veces, por lo que creo estar en condiciones de dar una opinión. Y mi opinión es que "Revenge" es un disco correcto, bien balanceado, y con algunos detalles que me han resultado atractivos. En primer lugar debo poner al cantante del grupo Tomi Kurtti, quien posee un registro vocal similar al de John Bush (Armored Saint, ex Anthrax), aunque sin llegar a ser tan talentoso como el genial norteamericano. Mas, éste finés se las ingenia para dar forma a líneas vocales bastante interesantes, cantar con garra y sacar las castañas del fuego en más de una ocasión. El sonido es otra cosa que me llamó la atención, no tanto por lo logrado del mismo, sino más bien por lo orgánico de su forma, completamente alejado de las características que son habituales en las bandas modernas; o sea, no hay nada hi-fi aquí, suenan como si fueran una banda de fines de los 80's/principios de los 90's, y saben sacarle provecho a esa cualidad. Además, el resto del grupo suena bastante compacto, en particular la base rítmica conformada por Anne Latva-Somppi (bajo) y Oskari Viljanen (batería), para nada deslumbrante, pero bastante firme.
En cuanto a las canciones, hay que decir que no les sobran las ideas, pero compensan con las ganas y algunos pasajes bien elaborados. La faceta Progresiva del grupo no es lo que más resalta, pero demuestran que tienen aptitudes como para abordar momentos complejos sin que se les complique el panorama. Aun así, lo mejor surge cuando eligen tocar simplemente Heavy Metal, tal es el caso de canciones como "Die Hard" o "…and So They Fueled These Veins with Chaos". En la vereda del frente tenemos algunos instantes en donde parecieran perder el rumbo, siendo "Children of the Night" el mejor ejemplo de ello: dicha canción es un engendro amorfo que me lleva a pensar si la incluyeron de relleno.
Volviendo al comienzo de la reseña, debo decir que no coincido con quien me recomendó la banda, no los considero tan buenos como me los pintaron. Pero tienen algo, llámese carisma, energía, o ambas cosas. No puedo regalarles muchos elogios, pero puedo decir que tienen lo suyo.

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domingo, 25 de septiembre de 2016

Neurosis - Fires Within Fires


Año: 2016
Sello: Neurot Recordings
País de origen: USA

La música entendida como un lenguaje y no como un mero artilugio para conseguir elogios, fama y cualquier otra cosa que sirva de excusa para acariciar el ego del mediocre. La música entendida como algo que puede llegar a trascender a su propio creador, una creación suprema que se posiciona en la cima de las expresiones artísticas para éste servidor. Neurosis parecieran entender la música de esa manera, pues cada obra que lanzan es un documento trascendente, sublime, extrasensorial. Y si logran que cada obra sea algo tan grande, es porque sus integrantes trabajan en conjunto en pos de dicha obra, no lo hacen pensando en las críticas positivas, ni en los discos que se venderán, ni en los elogios proferidos por los empresarios/sanguijuelas: el éxito para estos tipos radica, principalmente, en la obra en sí, en la calidad del producto ya terminado; en otras palabras, lo importante en Neurosis es la música y lo que ésta transmite. Lo demás es puro accesorio y se puede prescindir de todo eso.
"Fires Within Fires", una progresión natural de la obra de Neurosis, y más precisamente de su antecesor "Honor Found in Decay", del año 2012, es de esos discos que se deben escuchar muchas veces hasta dar con el núcleo de la creación, el epicentro, el alma de la misma. Sucede con cada disco de Neurosis, y eso pasa porque es, al igual que todos los álbumes de estos geniales artistas, una experiencia sonora que contiene en su interior mucho más que acordes, ritmos y voces. Acá hay gente elaborando cada parte cual artesanos del sonido; Neurosis es un grupo integrado por arquitectos de la música, dibujando y construyendo cada parte meticulosamente, y apasionadamente, siempre apasionados, jamás fríos e insensibles. Esto último es para los que buscan el éxito inmediato y vacío, mientras que Neurosis buscan trascender y trascenderse a sí mismos.
¿Que se toman mucho tiempo para sacar un álbum? Tiene su lógica que así sea, pues dar vida y forma a discos de tamaña profundidad lleva un tiempo considerable. No es cuestión de horas lo que hacen estos tipos, es cuestión de años. Jugar con la tensión-distensión como lo hacen ellos, unir las piezas, sacudir los cimientos emocionales del oyente, manipular texturas, incluir sonidos que no serán descubiertos sino a partir de la tercera sesión auditiva, y que seguirán surgiendo con las sucesivas audiciones. Neurosis dicen cosas con cada pulso, con cada explosión, con cada acorde, golpe o cada entonación; dicen cosas con la música, algo que la mayoría de los músicos no entienden: el lenguaje y cómo usarlo.
Como todo disco de Neurosis, acá no hay hits, "Fires Within Fires" es una exploración llevada a cabo a través de composiciones que no son lo que parecen ser, que siempre tienen algo más para mostrar a medida que uno se adentra más y más en ellas. Eso sí, la parte final del disco, con fabulosas creaciones como "Fire is The End Lesson", "Broken Ground" y "Reach", es de una riqueza emocional/intelectual tan grande, que provoca que me ponga de pie a aplaudir hasta que mis manos enrojezcan.
Otro testamento sonoro que empuja al grupo otro peldaño más arriba, otra demostración de lo que es la música cuando se la toma en serio. Luz, oscuridad, belleza, fealdad, pasión e inteligencia...Neurosis van más allá de todo, están más allá de todo. Por algo son los padres del Post-Metal: ellos demostraron que existe la música pesada más allá del Metal.

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Earsplit

A Rebel Few - As The Crow Flies


Año: 2016
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: Canadá

Cada estilo tiene sus características, y abordar un estilo en particular y obtener buenos resultados depende pura y exclusivamente del talento del músico para saber cómo llevar esas características a la ejecución, imprimiéndole su identidad en el camino, de ser posible. En el caso del Southern Metal, ya que voy a reseñar una banda de dicho estilo, hay que saber aunar el groove propio del Metal de los 90's, el de bandas como Pantera a la cabeza, con la predominancia del riff de guitarra, uniendo la rudeza del Rock más blanco, más precisamente, el nacido en el sur de USA (o sea, sin el swing sensual tan propio del Rock hecho por músicos negros; el Rock propio de los blancos siempre ha sido más rígido, pocos han logrado capturar la sensualidad y el movimiento serpenteante que lograron imprimirle los negros, los padres de la criatura, a la criatura), con el aire campestre del Country. A esto hay que adosarle el toque cabaretero que lograron imprimirle bandas como Lynyrd Skynyrd y ZZ Top a la mezcla de Rock y Country, cuando decidieron mecharlo con un poco de buen Hard Rock. De todo eso nace el Southern Metal, con un sonido mucho más pesado, claro, gracias a las afinaciones más bajas. Y A Rebel Few entran dignamente en dicha categoría, con un primer disco que no llega a ser un dechado de virtudes, pero que entretiene sin inconvenientes.
Los riffs tienen gancho, hay machaque y variedad de movimiento; la voz es melódica pero dura, con entonaciones que me recuerdan a la de Shane, otrora cantante de los injustamente olvidados Law and Order. La base rítmica respeta a rajatabla los preceptos del estilo: groove, pesadez y esa cosa tan sexual que es inherente al estilo, no con el swing del que hablé casi al comienzo, pero sí con la sexualidad propia de un bar de Striptease atestado de camioneros calientes por las bailarinas.
Un punto a favor que hay que resaltar, es el del sonido. Los canadienses de A Rebel Few se apuntaron a un experto en la material, el señor Sterling Windfield, quien trabajó con Pantera, Hellyeah, Texas Hippie Coalition y Damageplan, y quien aquí produce el disco magistralmente, dándole al grupo el sonido rudo, pero claro, que necesitan, además de hacer hincapié en las cualidades propias del estilo para resaltarlas. El disco fue masterizado por otro experto: Howie Weinberg (Rush, Aerosmith, Beastie Boys, Pantera, Van Halen), por lo que está más que claro que "As The Crow Flies" suena muy bien.
¿Canciones para recomendar? Bueno, miren, el debut de A Rebel Few es un disco agradable en su totalidad, pero canciones como "Said n Done" y "Serious" son prácticamente irresistibles. De cualquier manera, creo que estos canadienses deben ser escuchados más por lo que son como banda (suenan muy compactos) que por su capacidad para componer hits. Es decir, escuchen el disco completo, "As the Crow Flies" no está nada mal.

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Asher Media

sábado, 24 de septiembre de 2016

Merchant - Suzerain


Año: 2016
Sello: Snake Charmer Coalition (CD) / Independiente (digital)
País de origen: Australia

El Sludge es un estilo musical que se caracteriza por la profunda maldad que irradia, además de poseer cualidades que lo convierten en el hijo bastardo del Doom y el Hardcore/Punk a la Black Flag: pesadez, suciedad y crudeza. Pero, por sobre todas las cosas, en el Sludge reina la actitud malvada, como si ser un hijo de puta bien jodido fuera una condición inherente al estilo. Pues bien, resulta que hay un país en donde es más que normal encontrar bandas que poseen esa actitud incorporada como algo genético, eso de tener actitud de maldito y hacer música maldita: Australia. No importa cuan dura y jodida sea la música pesada que se haga en otras partes del mundo, Australia siempre se las ingenia para parir una banda más dura y jodida aun. Es por eso que no me extraña que Merchant, banda oriunda de Melbourne, suene más destructiva y mugrienta que la mayoría de las bandas de Sludge que pululan en el mundo entero hoy.
"Suzerain" es el disco debut del cuarteto nacido hace 2 años, y que previamente había grabado un Demo llamado "Seismic". Grabado en los Goatsound Studios, propiedad de Jason Fuller (miembro fundador de otra banda australiana fabulosa: Blood Duster), "Suzerain" es una brutal declaración de odio y locura a la velocidad de una babosa, en donde el Sludge/Doom se expande a sus anchas gracias a la labor de 4 tipos tan enfermos de la mente como talentosos. Ante cualquier duda respecto a lo que digo, no tienen más que poner el volumen a tope y darle play al reproductor, para luego terminar estampados contra la pared apenas haya sonado el primer acorde.
Canciones minimalistas que se construyen a base de riffs monstruosos, simples pero monstruosos (Benjamin Kerr es el responsable), los cuales, a su vez, son sostenidos por una base rítmica más pesada que un mamut (Nicholas James en batería y Wilson Hede en bajo), con el complemento infame de la reventada voz de Thomas Mirgiannis emitiendo gritos desesperados y conmovedores por su furia.
Canciones extensas que no parecen ser tan extensas, pues capturan al oyente y lo chupan como si se tratase de un agujero negro en el cual no hay lugar para la luz, solo oscuridad y negatividad. Van apenas unos segundos de "Seed & Soil" (el primer track) y ya queda en claro el principal precepto del estilo del grupo: transportarnos a un submundo inquietante, de atmósfera tan densa que se vuelve irrespirable, y claro está, muy buenas canciones. Del total de composiciones que integran la placa (cuatro), hay una en particular que merece ser mencionada por sobre el resto: la que da nombre al disco. Impresionante es la capacidad de estos aussies para modificar los estados por los cuales pasean al oyente en una misma canción, cambiando apenas de sonido (distorsión bestial-guitarra sin distorsión, pero apelando a sonidos más cósmicos), jugando con la dualidad tensión-distensión, y metiendo riffs y arreglos que hacen de esta pieza (de poco más de 20 minutos) algo imperdible.
"Suzerain" es un disco devastador a paso lento. Merchant no necesitan ir a la velocidad de un misil para aniquilar todo a su paso; aplastan sin piedad aun cuando uno los ve venir. Pero te subyugan, te dejan sin defensa ante su inminente, pero lento, avance. En otras palabras, lo que quiero decir es que es un muy buen disco.

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FullBlast

HellLight - Journey Through Endless Storms



Año: 2015
Sello: Solitude Productions
País de origen: Brasil

Este es uno de esos discos en los que el orden de los factores sí alteran el producto final. Para explicarme de una manera que -casi- todos puedan entender, lo que quiero decir es que haber puesto la mejor canción del disco al comienzo del mismo (la impresionante canción que da nombre al disco, una exquisita oda musical a la desolación, el dolor y la agonía) provoca un desequilibrio marcado en el resultado final de la placa. Es que, si lo mejor está apenas comienza el álbum ¿qué queda para después? Es decir, no alcanza con componer buenas canciones y amontonarlas en 1 hora y 20 minutos (lo que dura el disco) sin importar el orden del listado: es necesario acomodarlas de tal forma que el resultado sea homogéneo, y que haya una dinámica que no decaiga, propiciándole al oyente la posibilidad de mantener su atención en la obra intacta de principio a fin. No sucede esto con el -buen- quinto disco full del grupo oriundo de São Paulo, quienes ya llevan 20 años en la ruta de la miseria, la muerte y el paganismo.
Sí, tocan Funeral Doom Metal, por si ya lo habían sospechado, y lo hacen bien, con influencias de glorias como Shape of Despair, Skepticism, y hasta arreglos que me recuerdan a los momentos más fúnebres de My Dying Bride. Si has tenido la chance de escuchar algunos de sus trabajos previos, sabrás que no solamente tocan Funeral Doom, sino también sabrás que lo hacen bien, y que lo hacen bien desde hace muchos años (de hecho, el segundo disco de la banda se llama "Funeral Doom"). "Journey Through..." no es la excepción a la regla y lo dejan en claro de entrada, con el ya mencionado estupendo primer track. El problema es que el resto del disco, si bien sostiene su aura mortuoria intacta, y lanzan destellos de una calidad innegable a lo largo de toda la placa, no alcanza para igualar lo excelso de la primera pista. Hay arreglos fabulosos por aquí y por allá (anoten a "Distant Light That Fades" en la lista de lo mejor del disco), pero nunca llegan al nivel del inicio. Y eso es un problema, porque, de a ratos, el disco entra en un bache, y teniendo en cuenta lo denso del estilo, y lo extenso de las composiciones, algunos de esos baches se hacen un poco largos.
Por suerte, la pericia de estos brasileros es inocultable y no titubean a la hora de poner todo lo que hay que poner para salir adelante. Así, en compensación por esos -mínimos- pozos creativos, los tipos meten un puñado de pasajes deliciosos, en donde el oyente se entrega al inconmensurable dolor que impregna a cada pieza, disfrutando de tal angustiosa sesión sin objeciones. Y esto me lleva a tener que volver sobre mis pasos y cerrar lo que dije al comienzo. Si "Journey Through..." hubiera tenido un orden diferente en la lista de canciones que lo integran, supongamos que poniendo la canción homónima al final, y moviendo otras piezas de lugar, el impacto de la obra hubiera sido otro; al menos en mí caso hubiera provocado otro impacto. A razón de eso, me veo obligado a decir que el quinto full lenght de HellLight es un trabajo al que le sobra calidad, pero en el cual hay un pequeño desequilibrio, del cual ya hablé al comienzo de la reseña.

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TOMetal

viernes, 23 de septiembre de 2016

Beesus - The Rise of Beesus


Año: 2015
Sello: Independiente / Goodfellas / New Sonic Records
País de origen: Italia

De vuelta al sonido de garage de los 90's, mis amigos. Beesus, combo italiano procedente de Roma, recupera lo más crudo de la explosión que bandas como Melvins, Mudhoney y Kyuss comenzaron a perpetrar a fines de los 80s', pero que tuvo su mayor momento de esplendor en la década del '90. Bajo esos parámetros sonoros, la banda nacida hace 6 años en la capital italiana, hace de su música algo tan familiar como extraño en ciertos instantes.
"The Rise of Beesus" es el primer disco de la banda y cuenta con 9 tracks en donde el estilo del grupo se muestra bastante homogéneo, mas no así la calidad de las composiciones; oscilan entre los buenos momentos y otros que muestran ciertas falencias en el aspecto antes mencionado (la composición). La crudeza en el sonido del grupo, elemento fundamental en la propuesta de Beesus, es la principal responsable de dicha ambivalencia entre lo positivo y lo negativo, si bien el término Negativo está usado aquí de manera light, pues no hay tantos defectos como para sentenciarlos de manera tan dura. Pero hay falencias que la crudeza imperante resalta, como así también permite apreciar lo mejor del grupo. Es que ese factor (la crudeza) nos muestra al grupo tal como es, sin artilugios ni retoques en la grabación, dejando al descubierto todo lo que es Beesus como banda. Los buenos temas se aprecian, justamente, porque logran destacarse sin el agregado de accesorios de post-producción, lo que hace pensar que, de haber tenido un mayor tratamiento de producción en el estudio, esas mismas (buenas) canciones hubieran resaltado aun más. Por cierto, entre esas canciones destaco a "Zenza" y "Sonic Doom/Stoner Youth", siendo ésta última, ya desde el título, un perfecto resumen del estilo de la banda, mientras que la primera me recuerda a The Stooges.
Pero, por otro lado, hay ciertas imperfecciones en las interpretaciones, sumado a que algunas canciones, en su afán por experimentar (gustan de usar la etiqueta Experimental Doom), dejan a la luz cierta ingenuidad al momento de, justamente, experimentar con las formas y las texturas. Todo esto emerge ante nosotros, nuevamente, gracias a la crudeza que pareciera ser marca registrada en el estilo de Beesus.
Así y todo, "The Rise of Beesus" es un debut promisorio, sumamente pesado (el bajo te aplasta con sus graves) y bastante dinámico, aun a pesar de que algunos tornillos deberían ser ajustados para que la banda suene más compacta. Digamos que arrancaron bien, pero pueden hacerlo mejor.

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Purple Sage PR


jueves, 22 de septiembre de 2016

Akem Manah - Demons of the Sabbat


Año: 2014
Sello: Freak Metal Records (CD; edición original) / Re-ediciones: Grimoire Cassette Cvlture (cassette, 2014); Possession Productions (digital, 2015; CD, 2016).
País de origen: USA

Disco y banda infravalorados, el tercer álbum full del dúo norteamericano Akem Manah es un compendio más que interesante de Doom/Death de raíces sabbathicas, estética de cine de horror clase B y atmósferas macabras bien logradas. Por cierto, dije dúo porque, según he leído, Akem Manah hoy es un dúo; mas, en este disco la banda funcionaba como trío, ya que aun contaban con la participación del ex Lecherous Nocturne Chris Lollis en bajo; anteriormente, el grupo funcionaba como cuarteto, vale acotarlo. Quienes quedan hoy al frente del grupo son los padres de la criatura: Dead Nedry en guitarra, voz y teclados, y el ex Prong y ex White Zombie Ivan de Prume en batería. Originalmente el disco fue lanzado a través del sello del grupo Freak Metal Records, pero, afortunadamente, la cosa no se limitó a dicha edición, ya que el sello Possession Productions (oriundo de Bielorrusia) decidió recuperar el -hoy disco de culto- grabado por Akem Manah en 2014 y ponerlo al alcance de la mayor cantidad de gente posible. De esa manera es que llegó el tercer opus de dicha banda a mis manos.
Como bien dije, se trata de un disco de buen Doom/Death netamente americano, más allá de haber una buena cantidad de riffs marca registrada de Tony Iommi, pero pasados por un filtro típicamente norteamericano, o sea, dotando a los riffs de esa atmósfera tan propia de la cultura trash del país del norte de nuestro continente (me refiero a USA, claro), con acordes que se suceden como si hubieran sido escritos pensados para sonar en algún film de horror de bajo presupuesto. Gancheros y oscuros al mismo tiempos, los riffs creados por Dead Nedry se erigen como pilares del sonido del grupo, aunque no es su labor el único pilar de Akem Manah. Ivan de Prume, con su manía por los ritmos sincopados, el groove perfectamente dosificado, y el golpe lento y aplastante típico del Doom. logra situarse en el mismo nivel que su colega de las 6 cuerdas. Claro, de Prume se aleja -levemente- de los ritmos convencionales del Doom/Death, y eso se entiende, pues hablamos de un tipo que fue parte de una de las bandas más frescas y originales de los 90's, cuyo principal característica residía en los ritmos llenos de groove, bailables y densos a la vez.
Una voz reventada que pronuncia versos inspirados en Lovecraft, la muerte, Satán (obviamente), la oscuridad y todo eso que hace al estilo, sumergidos dentro de una lista de 9 canciones que servirían tanto para llevar a cabo rituales de brujería, como así también para musicalizar alguna película de la Hammer, o bien para fumar marihuana en cantidades industriales, mientras la mente divaga y elabora escenas tenebrosas. Para todos éstos menesteres podemos usar, como epicentro de la obra y puntos más altos de la misma, canciones como "Possession of Nun", "Demons Rise" y "Nightfall".
¿Con ganas de escuchar un poco de buen Doom/Death lleno de niebla fría y espesa, voces de ultratumba e imágenes de cementerios, machos cabríos y demás clichés propios del estilo? Acá tienen un buen disco para disfrutar de principio a fin.

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miércoles, 21 de septiembre de 2016

Paul Chain - Alkahest


Año: 2016
Sello: Minotauro Records (digital) (otras ediciones: Godhead Recordings, 1995: CD & 12" vinilo / Minotauro Records, 2013: Vinilo Doble & CD)
País de origen: Italia

Semana del Doom en Puro Ruido y no podía dejar de aportar mi granito de arena en uno de los géneros que más me apasiona, y más aún si el disco delegado en esta oportunidad por Manel es uno de esos clásicos inoxidables, perennes y fundamentales del género, al menos para el país en el que se desarrolló, pues Paul Chain, o Paolo Catena, es uno de los grandes responsables, si no ÉL máximo responsable de la incipiente escena Doom italiana, sinónimo y garantía de calidad hoy por hoy. Si bien el ex Death SS posee una vasta discografía, ya sea como Paul Chain a secas o en su primera etapa añadiéndole a su seudónimo el Violet Theatre, hoy nos ocuparemos de “Alkahest”, el mejor título de su carrera para quien escribe, y el más emblemático por el hecho de contar con la colaboración de otra eminencia en la materia, Lee Dorrian… y si, nada puede salir mal. 
“Roses Of Winter” abre sin preámbulos, con la indisimulable influencia Sabbática plasmada en el riff y la inconfundible voz de Paul articulando enigmáticas e incomprensibles líricas, al menos para el resto de los mortales, ya que se trata de un dialecto inventado para la ocasión con una fonética muy similar al inglés, particularidad que se repite en el resto de los temas interpretados por él mismo (si me preguntan a mí, puro chamuyo hablando en criollo, pero totalmente válido por supuesto).
A continuación “Living Today” es un tema más propio de la corriente del rock ocultista, con el sonido setentoso como premisa, a medio tiempo y con unas lánguidas e hipnóticas líneas vocales en los estribillos. Otra joyita.
“Sand Glass” vuelve al Doom de pura cepa, denso y arrastrado, tal como debe ser, pero es cuando entran los teclados como contrapunto de la voz de Catena cuando la atmósfera se vuelve aún más tétrica, mientras voces susurradas y sintetizadores fantasmagóricos refuerzan esta idea para luego, cambio de tiempo mediante marca Sabbath, volcarse hacia el heavy más “cabeza” por así decirlo.
Llega el momento álgido del disco con “Three Water” (si, los títulos se encuentran en un perfecto inglés, lo que reafirma mi anterior teoría). Con una intro grandilocuente de órgano y sintetizadores, épica, oscura, siniestra, pura mítica esotérica que termina decantando sin perder sus propiedades en metal pesado… más precisamente Doom… eso se llama alquimia señoras y señores!! Las líneas vocales más hipnóticas que nunca, los punteos de guitarra cual trágicos lamentos y una marcha cansina propia de una procesión fúnebre… una belleza de principio a fin, TE-MA-ZO.
Sonidos de gaitas sirven de intro para "Reality", un tema que continúa con la tónica del disco sin desentonar, bien doombeta en sus medios tiempos y la parte vocal haciendo una suerte de recitativo la mayor parte del tiempo.
Llega el turno de el gran Lee Dorrian, y lo hace con un cover del mismo Paul Chain de su temprana etapa como Violet Theatre “Voyage to Hell”, y como era de suponer le queda a la perfección, por lo agresivo y primitivo del tema, siempre dentro de los parámetros del estilo claro está, con reminiscencias a Celtic Frost como para dar una idea. Hay varias diferencias con la antigua versión, como la escueta intro y el final épico más acorde al contexto general de esta placa. (Nota aparte, años después saldría un bootleg de Cathedral con el mismo nombre).
“Static End” es nefasto, una oda a la mala onda, con riffs pesados, monolíticos además de arreglos y punteos de guitarra blueseros durante las estrofas a modo de diálogo con la arenosa voz del ex Napalm Death (quien también escribe las letras de sus interpretaciones), mientras, un colchón de teclados durante ciertos pasajes sostienen la mística reinante durante todo el redondo, y junto con varias capas de punteos de guitarra se esfuma con la bruma hacia el final. Está de más hablar del virtuosismo de Paul en las seis cuerdas, tanto a la hora de riffear como de puntear, su técnica y sensibilidad para saber meter la nota exacta de la manera y en el momento indicado, un dotado.
Y si aún quedaba algún atisbo de esperanza, con “Lake Without Water” se encargan de acabar con ella. La desolación y la agonía que transmiten desde el título hasta la última nota es exquisita y abrumadora. Con características de balada, minimalista, arpegios de guitarra acústica a cargo de Paul Dark (ex compañero de la primera hora), teclados y la característica voz de Dorrian como únicas armas para transmitir tan poderosas sensaciones, una belleza.
“Sepulchral Life” es la pieza que vendría a ser una suerte de tema carroñero para cerrar el álbum, volviendo con toda la mala onda para saciarse con nuestros restos inertes. Arrastrado y pesado, muy pesado, quizás más en la vena de Electric Wizard en los medios tiempos, pero dándose el lugar para pisar ligeramente el acelerador a mitad del camino en un puente heavy/rockero a la Saint Vitus, presto para el headbanging, para luego volver a EW disipándose como una muerte lenta hacia el final con su correspondiente toque psicodélico. Además, luego de un largo intervalo de silencio, se puede escuchar un siniestro recitado para hacer aún más mística la atmósfera imperante en la placa desde el primer minuto hasta el último.
Más de 20 años pasaron desde que se editó por primera vez esta excelente obra de culto del Doom y el Occult Rock, remasterizada y reeditada a mediados del corriente 2016 por Minotauro Records, incluyendo un cover como bonus track del clásico "Electric Funeral" de Black Sabbath. Inmejorable oportunidad para redescubrirlo o descubrirlo según sea el caso, influencia ineludible de exponentes actuales del Doom Italiano como Abysmal Grief, Epitaph, Doomraiser, Black Oath, los ya desaparecidos Cultus Sanguine o aún a los contemporáneos Black Hole, Zess entre otros.

Reseña escrita por Juanlón (guitarrista de Disnomia y Lanthanein)